VÍdeos

Sesión I

Post-Op
Fantasía PostNuklear

Sinopsis:

En este vídeo se pretende reflejar lo construido del sexo y el género dejando patente que su aparente naturalidad es fruto de un continuo mecanismo de repetición que lo normaliza, normativiza y regula. La forma de moverse de los personajes de Post-op realza la mecanicidad de las prácticas sexuales y cómo se han ido naturalizando a través de esa repetición. Por otro lado se proponen nuevas practicas descentralizando los órganos reproductivos como únicos órganos sexuales, ampliándolo a todo el cuerpo, las prótesis adquieren una vital importancia, y las minorías sexuales tienen cabida. Se crean nuevas identidades, no fijas, mutables, difíciles de encasillar y definir. Post-op con sus personajes tan extremos y circenses, tan decadentes y apocalípticos da una carga de ficción al sustrato de fondo, presentando una realidad en forma de ficción.

Vídeo realizado en el 2006 en la Fábrica de zapatos oKupada en Hospitalet en donde se celebró la QueerEruption (festival queer international) en el 2005.

Cámara y edición: Majo Pulido, Créditos de abertura y cierre: Watching-Machine, Música: Diego Horyans, Performers: Urko, Desire Rodrigo, Florian y Majo.

Biografía:

POST-OP(2003) es un grupo transdisciplinar que investiga sobre género, sexualidad y postpornografía desde una perspectiva queer transfeminista.

Uno de los primeros grupos del Estado español que empezó a infectar espacios públicos, locales nocturnos, centros okupados y museos con sus prácticas pornograficas disidentes.

Ocupan las calles con sus personajes multigenerados, monstruosos y mutantes; visibilizando cuerpos , sexualidades y prácticas no normativas.

Su trabajo abarca performances, realización de talleres e instalaciones, la videocreación y la acción directa.

Forman parte de la escena transfeminista de Barcelona y trabajan en torno a la resexualización del espacio público abordando la sexualidad y el género desde la noción de cuerpo y performance.

Han mostrado su obra en algunos de los museos más relevantes del contexto ibérico y francés como el Museo Reina Sofia de Madrid , el M.A.C.B.A (Museu de Art Contemporani de Barcelona) o el Centro Pompidou de Paris sin dejar nunca de lado la intervención en los espacios autogestionados y públicos.

Actualmente su producción se centra en cuestiones de sexualidad y diversidad funcional. En este ámbito destaca la colaboración con el documental Yes, we fuck o el proyecto de diseño de prótesis y órtesis sexuales Pornortopedia

tags: postporno, artivistas, transfeminismos, mutantes, ciborg, disidencia, imaginarios, pornografa, acción directa, cuerpo, sexualidad, desgenerados, bdsm, activistas, espacio público, performance, juego, sex parties, diversidad funcional, queer, tullidxs, marimachos, drag, cross dressing.

Quimera Rosa
Trans*Plant: May the chlorophyll be with/in you

Sinopsis:

Trans*Plant es un proyecto transdisciplinar, iniciado por Quimera Rosa en 2016, basado en sistemas vivos y en la auto-experimentación. Es un proceso que compromete un cuerpo en una transición “human > plant” y que utiliza para esto varios formatos. Trans*Plant pone en dialogo disciplinas como arte, filosofía, biología, ecología, física, botánica, medicina, enfermería, farmacología y electrónica. Mediante diversas prácticas de bio-hacking, TransPlant se inscribe en los debates en curso sobre la noción de Antropoceno, desde una perspectiva no basada en el “el excepcionalismo humano y el individualismo metodológico” (Donna Haraway), sino que aborda el mundo y sus habitantes como el producto de procesos cyborg, de devenir con (Vinciane Desprets), de simpoiesis (Haraway).

El mayor problema con la ecología dominante es que se basa en la noción de naturaleza, una noción creada históricamente para separar la humanidad del resto del universo y establecer con él una relación colonial. El binomio cultura / naturaleza estructura una infinita lista de otros binomios del pensamiento moderno occidental: hombre / mujer, blanco / no-blanco, hetero / homo, ciencia / brujería, adulto / niño, normal / anormal… El segundo termino de cada binomio se encuentra asociado a la naturaleza y por lo tanto al mismo régimen de violencia. Mediante una heterotrofia llevada a su máximo se constituye una necropolítica que literalmente a decidido consumirlo todo. Proteger la naturaleza parece entonces mala idea… Es bastante curioso que se haya llegado a aceptar que un individuo delimitado por un sobre de piel constituye un ser vivo pero que el conjunto del planeta no sea un organismo vivo.

Para poder ser capaces de pensar una ecología no-antropocéntrica, necesitamos pasar de identidades basadas en esencias a identidades basadas en relaciones. Un proceso de transición human > plant que incluye un protocolo de intravenosas de clorofila, y mediante las fantasías, miedos y juicios que eso genera, abre el debate sobre el sistema identitario que está en juego. Un proceso de auto-experimentación que no tiene nada de individual puesto que las personas que la acompañan transitan con ella. Conseguir una molécula pura de clorofila conoce las mismas trabas que conseguir testosterona por parte de la industria farmacéutica y biomédica como del sistema legal y sanitario. Es el conjunto mismo de la vida que se encuentra patentado.

Trans*Plant no sería posible sin los diferentes ecosistemas del cual forma parte.

Biografía:

Quimera Rosa es un laboratorio de experimentación e investigación sobre identidades, cuerpo y tecnociencia, creado en Barcelona en 2008 y nómada desde 2014. QR se inspira de la noción de cyborg desarrollada por Donna Haraway, quien los define como “quimeras, híbridos teorizados y fabricados de maquina y organismo”. Desde una práctica transdisciplinar desarrollan prácticas productoras de identidades cyborgs y no naturalizantes. Desde una perspectiva transfeminista y postidentitaria, QR hace del cuerpo una plataforma de intervención pública, con el fin de generar rupturas en la frontera entre lo público y lo privado. Conciben la sexualidad como una creación artística y tecnológica y buscan a experimentar identidades híbridas, flexibles y cambiantes que desdibujen las fronteras entre natural/artificial, normal/anormal, hombre/mujer, hetero/homo, humano/animal, animal/planta, arte/política, arte/tecnología, realidad/ficción, arte/ciencia.

Particularmente interesadas por la articulación entre arte, ciencia y tecnología, así como sus funciones en la producción de subjetividad, su trabajo se centra actualmente en el desarrollo de performances y proyectos transdisciplinares, en la elaboración de dispositivos que funcionan con la actividad corporal y experimentaciones de bio-hacking. Complementan esta actividad artística dando numerosos workshops y un trabajo curatorial y de producción basado sobre la alimentación y constitución de redes.

La mayor parte de su trabajo se hace de manera colaborativa y, siempre, libre de patentes y códigos privativos. Nuestras creaciones fueron presentadas en calles, centros de arte contemporáneos, bares, galerías, universidades, salas de concierto, escuelas de arte, discotecas, museos, okupas, festivales y teatros.

HELENA VINENT
Hay una red inmensa

Sinopsis:

“Hay una red inmensa” es un vídeo que forma parte de un proyecto instalativo más extenso. El proyecto se idea a partir de la apropiación de subtítulos de películas de ciencia ficción de distintas épocas. Los subtítulos decontextualizados y su tergiversación permiten a la artista generar un relato atravesado por la teoría crip-queer y su posicionamiento político como persona sorda. Se especula así sobre otras realidades, cuerpos e imaginarios que permiten desviar la atención sobre las normas imperantes. La propuesta toma forma a través de una instalación inmersiva donde subtítulos, humo, voces inteligibles y otras piezas se entremezclan, creando un entorno de ciencia ficción donde lo órganico y lo biónico se funde, y las nociones binarias de capacidad y de discapacidad, presentadas como ficciones políticas, se diluyen.

Este proyecto se ha producido gracias a la Beca de Artes Visuales de la Fundació Güell.

Biografía:

Helena Vinent está graduada en Artes Aplicadas a la Escultura (Escola Llotja), en Bellas Artes (Universitat de Barcelona) y actualmente está cursando el máster en Estudios Culturales y Artes Visuales – Perspectivas feministas y cuir/queer (Universidad Miguel Hernández). Ha sido artista residente a Fabra y Coats bajo la beca para Artistas Visuales SAC-FiC, artista residente de larga duración a Hangar y actualmente está realizando una residencia a La Escocesa. Ha expuesto su obra en diferentes espacios como La Casa Encendida (Madrid), el espacio Storm and Drunk (Madrid), el espacio Mécènes du Sud (Montpellier), la galería Fran Reus (Palma), el Festival Embarrat (Tàrrega), el Arts Santa Mònica (Barcelona), la Fabra i Coats (Barcelona) y el LOOP Festival (Barcelona). Ha ganado varios premios y becas: el premio de creación de Sala d’Art Jove, la beca Guasch Coranty, la beca de producción de Hangar, la beca de producción de Baumannlab, la beca Creació i Museus del ICUB, la beca de artes visuales de la Fundació Güell, la beca de creación de La Noche de los Museos, el premio Generaciones de la Fundación Montemadrid, la beca para la Investigación y la Innovación en el ámbito de las Artes Visuales de la Generalitat de Catalunya y la beca Premis Barcelona 2020. Su obra está en colecciones como la Fundación Montemadrid, la Fundació Güell, la Fundació Guasch Coranty y el Fondo de Arte del Ayuntamiento de Barcelona-MACBA.

MUT/A (Nuria C. Urzaiz y Jennifer Santiago)
Ophrys

Sinopsis:

Una orquídea que emula el vientre de una abeja hembra. Una flor expandiendo aromas y feromonas.
Humanxs que polinizan flores en peligro de extinción. Humanxs que ponen en peligro sus vidas polinizando.
El antes y el después del DENTRO. Polinizarnos todas para seguir vivas.
Expandir los afectos. Las relaciones. La interdependencia.
El deseo. Intercambiando olores, sonidos y néctar.
Llamarnos entre todas.
Las pieles de todas.
Las especies.
Todas.

Es urgente. Emergencia climática. La temperatura del mundo y la de nuestros cuerpos. Desde el vuelo de las abejas a la humedad de los sexos. Es urgente. Sin lentitud. Con la respiración acelerada de quien intenta no extinguirse. De quien (se) salva. De quien amplía cuerpos. De quien multiplica vínculos. De quién es qué o quiénes. Gritarlo todo. Que nos zumben los oídos palpitando.

ENTRAR. Dentro también hace falta la voz. Ni la palabra escrita ni la imagen sirven para describir el dentro. Para comunicarnos desde el dentro. Abrir todos los orificios. Los oídos. Dejarnos escuchar. Atravesar las fosas nasales hasta que el olor nos impregne la garganta. Sagradas, como las abejas. Esto no es un paper. Tampoco es un vídeo. Es PALABRA hecha carne. Es necesidad de hacer cuerpo con VOZ. Sin nitidez visual pero con polen fluorescente. Los pelos impregnados. La danza de todas en comunión. Revolcarnos en la miel de todas. El adentro como intercambio. Pieles humanas y no humanas. Ser vientre de abeja. Ser pétalo abierto. Ocuparlo todo. Meternos enteras. Con la suavidad del tacto. Erotizando la interdependencia. Haciendo posible la multiplicidad. Los dedos como lucha para todas las especies. Para seguir vivas. Entrando en todas. Mantenernos vivas entre todas. Dedos extinguiendo la extinción. Sentir a las otras en ti. Follarnos entre todas. Entre el adentro y la luz: la mezcla posible del presente.

Biografía:

MUT/A es un organismo vivo dedicado a las artes escénicas que sitúa el teatro en el centro de nuestras creaciones sin abandonar otras formas artísticas. Este colectivo artístico nace de nuestra necesidad de belleza, de retorcer las palabras hasta el ahogo y dar espacio a la caricia. De volver al rito, ofreciendo el cuerpo y la voz a la conmoción, a la catarsis, al origen, a Mut.

Mut es el nombre de la diosa egipcia madre de todas las cosas. Es aquella que da a luz pero que no nació de nadie. Muta también es jauría. Perras en colectividad.

¿Cómo autofecundarnos? ¿Cómo ser Mut? ¿Cómo mutar? ¿Cómo ser MUT/A?

Nuria C. Urzaiz (Zaragoza, 1987). Entre la docencia y el arte. Actriz, creadora y filóloga.

Jennifer Santiago (Murcia, 1991). Actriz, creadora y bailarina de danza clásica india.

AMANDA MORENO
Your Fossil Existence

Sinopsis:

“Your Fossil Existence” es una pieza audiovisual que reflexiona sobre la existencia de un tiempo histórico no lineal, sino estratigráfico donde converge el pasado, el presente y el futuro. Este tiempo, atravesado por el trance hipnótico, nos invita a desdibujar los límites entre las especies del reino animal, vegetal, mineral, humano y no-humano para pensar otras formas de vida más sostenibles, integradoras y holísticas.

Biografía:

El trabajo de Amanda Moreno se aproxima desde diferentes disciplinas a lo que podría denominarse un saber “enciclopédico”. De ahí, la constante incursión en sistemas de conocimiento de los que se vale la artista para producir subjetividades a partir de la adulteración o el apropiacionismo.

En la obra de Moreno el discurso consensuado queda suspendido dando paso de este modo a la proliferación de otras narraciones que encuentran su origen en la literatura o la ficción. Por otro lado, el error, la confusión o el fracaso despliegan todo su potencial instando a la mirada emancipada del lector que funda y gestiona su conocimiento.

En estas prácticas queda patente el interés hacia lenguajes abstractos provenientes de la ciencia, el arte o la tecnología. Estos subrayan la relación dual de accesibilidad /inaccesibilidad del sujeto con el saber y su empoderamiento como agente creativo. En estos últimos años la artista ha desarrollado diferentes líneas de investigación que ponen en relación cuestiones como la arqueología de género, la crisis ecológica, el capitalismo, o el concepto de historia no lineal a través de la ficción especulativa.

En definitiva, la obra de Amanda Moreno se descubre como un análisis de símbolos, gestos o dinámicas propias de su contemporaneidad. En las que más allá de la inscripción superficial se sugieren nuevas sensibilidades, corrientes de un inconsciente colectivo que avanza anticipando cambios más profundos y estratégicos.

Ha participado en exposiciones como «Super Superlike. Impulsos digitales y emotividad virtual». Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, Madrid (30.11.2021 / 10.4.2022); «Art Contemporani de la Generalitat Valenciana IV». EACC Espai d’Art Contemporani de Castelló, València (2021); «XXIII Mostra art públic / universitat pública». Campus de Burjassot, Universitat de Valéncia (2020); «Tempus quietare. Voluntat contemplativa i art». Centro Cultural La Nau, Universitat de Valéncia (2019); «The Sky Was Made of Amethyst», Espai Tactel Valéncia (2021); «The Shortest Lines Go for a Walk», Espai Tactel Toormix, Barcelona (2019); «Materials of the Future», Espai Tactel, Valéncia (2018); «Distopía General,» Las Atarazanas, Valéncia (2018) o «Emotional Digressions», Espacio 55, Valéncia (2016).

Su trabajo se ha mostrado en ferias de arte nacionales e internacionales como ARCO – Madrid y Swab, Barcelona. Entre sus premios destacan el otorgado por la colección DKV en Abierto Valencia y el de “Artista destacada” otorgado por el Ayuntamiento de València, también dentro del marco de Abierto Valencia 2020.

Su obra forma parte de colecciones como la de la Universidad Miguel Hernández, DKV, Banco Sabadell o la Generalitat Valenciana.

Sesión II

Damià Jordà
Mitologia del treball

Sinopsis:

Entramos en los años 20 y Damià Jordà se pregunta cómo es actualmente la estética contemporánea del trabajo. ¿Cómo se representa esta actividad fundamental de nuestra existencia? ¿Cómo son los trabajadores actuales? ¿Se parecen en algo a la representación icónica a la que nos acostumbró la estética del siglo XX? ¿Representan las oficinas y los despachos verdaderamente a la nueva clase trabajadora?

En torno a preguntas como esta, Jordà se plantea una colección de reflexiones en voz alta, a las que da forma en una pieza audiovisual de carácter ensayístico, realizada y estrenada durante la cuarentena de abril-mayo de 2020, combinando parte del material que el artista llevaba filmando en el último año con otras fuentes a las que pudo acceder desde su confinamiento.

Como es habitual en su trabajo, se fija en las formas de representación mediática de este fenómeno, de esta identidad, dando un breve repaso a la historia del cine y de la televisión para plantear algunas reflexiones en torno a estos códigos de representación social y al imaginario colectivo que se construye a partir de ellos.

Biografía:

Doctor en Artes: Producción e Investigación; Máster en Artes Visuales y Multimedia (Universidad Politécnica de Valencia). Su trabajo se divide entre la producción artística, la docencia y la investigación. Actualmente es profesor en el área de Estética y Teoría de las Artes de la Universidad Miguel Hernández.

Sus investigaciones, generalmente orientadas hacia la relación entre la estética audiovisual y determinadas controversias sociales, han sido presentadas en congresos internacionales y publicaciones entre las que cabe destacar su libro “Vaselina en la lente. Las drogas en España tras el prisma de los media” (2017, Luhu Editorial), en el que explora las conexiones entre el problema social de la droga y sus variadas representaciones mediáticas.

Su práctica artística se centra exclusivamente en los lenguajes audiovisuales, en la bisagra que  enlaza el vídeo de creación con el cine experimental y de autor. La obra de Jordà se caracteriza fundamentalmente por la búsqueda de formas de expresión narrativa mediante la construcción de ensayos y poemas visuales de clara influencia cinematográfica, así como de instalaciones multimedia que planteen una reflexión formal acerca de nuestra relación física con la imagen audiovisual. La mayoría de sus trabajos se desarrollan a partir de investigaciones etnográficas, utilizando imágenes para descubrirnos vínculos con nuestro entorno, con los medios de comunicación y con los rituales sociales contemporáneos.

Entre sus obras recientes se puede destacar la instalación “Simfonia Industrial”, financiada por Espai Rambleta y exhibida además como exposición inaugural de la subsede del IVAM en Alcoy; “Aquestes Coses que fem avui en día”, ensayo fílmico incluido en la colección de arte contemporáneo de la Generalitat Valenciana y galardonada en la edición de 2015 de Valencia Crea; y “Molinos de Viento”, seleccionada en festivales internacionales de videoarte como el Athens Video Art Festival (Grecia), el FIVAC de Camagüey (Cuba) o la exposición colectiva Wege ums Kino organizada por la Embajada de España en Berlín.

Rubena La Berenjena
Las sillas de las abuelas

Ximo Vaello
Transversalitats

Sinopsis:

Transversalidades, presenta el cuerpo como interface de la máquina, desde un enfoque simbolista y filosófico, se planea como un video-mapping instalativo, que muestra la transformación por medio de fluidos cromas.

La propuesta fue base del TFG de mis estudios de Bellas Artes i se plantea a partir de los conceptos sobre el ciborg de Donna Harawey, Rossi Braidotti, Teresa Aguilar, y plásticamente de Marcel·lí Antúnez, Herman Nitsch, Otto Muehl, Peter Greenaway, entre otros.

Pretende estudiar los procesos de convergencia humano-máquina, mostrando plásticamente la lucha de los humanos entre naturaleza y cultura, concienciar sobre la relación humano-máquina dentro del proceso evolutivo.

En síntesis los humanos ya hemos evolucionado hacia cuerpos multisistémicos y hemos pasado de ser consumidores de tecnología a ser parte de la misma.

La informatización es acelerada i el uso de tecnologías ligadas al quehacer diario van en aumento. Los móviles los relojes inteligentes las lentes de información en capas de realidad virtual, generan una combinación superficial de elementos adheridos al cuerpo. Pero el uso de nuevos elementos como el grafeno están lanzando la electrónica subcutánea a unos niveles de investigación realmente sorprendentes, pues determinados tipos de este material pueden ser biodegradables mediante catálisis de la mieloperoxidasa humana (hMPO)y disolverse en el cuerpo y ser expulsados. Un ejemplo de la aplicación del grafeno en proyectos de ciborización lo tenemos en la recientemente desarrollada prótesis electrónica de retina, trabajo del Instituto Catalán de Nanociéncia y Nanotecnología. Un dispositivo que podría ayudar en la recuperación de algunas perdidas de visión. “La escritura ciborg trata del poder para sobrevivir, no sobre la base de la inocencia original, sino sobre la de empuñar las herramientas que marcan el mundo y que las marcó como otredad” (Haraway, 1991). 

Biografía:

Ximo Vaello, es un artista valenciano que reside en la ciudad costera de La Vila Joiosa. , @by15

 Siendo adolescente se inicia en las actividades culturales y en su gestión, participando en el grupo de teatro Telar dentro de las actividades del Rincón del joven, centro cultural que más adelante llegará a presidir. Una vez alcanzada la mayoría de edad, se inicia en la organización de conciertos y la participación en varios grupos musicales.

También dirige el grupo de teatro del Instituto Malladeta, durante varias temporadas. 

Realiza estudios en las escuelas de artes y oficios de Alicante y de Valencia, que abandona por cuestiones familiares, pero inicia una etapa de exposiciones, en esta primera etapa destaca con trabajos realistas. 

En poco tiempo su estudio se convierte en un centro de actividad y decide convertirlo en una galería de arte, así nace «La Casa, Galería d’Art» que funcionará la primera mitad de los años 80. Inaugurada con una muestra de Antoni Miró, se convertirá en un referente de las comarcas del sur valenciano, dentro de los círculos artísticos emergentes. 

Realiza un curso intensivo con el fotógrafo estadounidense Kevin Martini-Fuller, sobre el sistema de zonas en la fotografía en blanco y negro. 

El año 87 inicia una nueva relación con el Ateneu Musical de La Vila Joiosa, integrándose en su directiva. También se inicia en el mundo del diseño y la publicidad. 

Su pintura se vuelve mucho más matérica, participa en 19GRUP91 a partir de unas exposiciones con la galería Martínez Mora y la participación en la feria Interarte. 

Asume la presidencia del Ateneo Musical, tarea que es premiada por el Bloc de Progrés Jaume I. Implantando nuevos modelos de actividades musicales.

 Pasa a ser presidente comarcal de la FSMCV, y luego es elegido miembro de la Junta de la FSMCV, participa en la creación del ACMIC. Maqueta varios libros y revistas, así como catálogos, tanto en formato papel como digital. 

Realiza el Grado en Bellas Artes en la UMH de Elx y el Master en Artes Visuales y Multimedia en la UPV .

Ha sido profesor de técnicas comunicativas en el CEFIRE. 

Su creación actual se adentra principalmente en las instalaciones multimedia, el video, el arte electrónico y digital.

Presentando su obra en diversas muestras, tanto individuales como colectivas, desde 1989 hasta la actualidad, también tiene piezas en el espacio público, y varios premios en distintas modalidades y técnicas.

Vorágine
Vorágine

Sinopsis:

Vorágine es un proyecto colectivo interdisciplinario en el que dialogan múltiples lenguajes; una propuesta inmersiva en la que el público es invitado a sumergirse en una narrativa divergente que se nutre de la música contemporánea, la expresión corporal y videos en tiempo real.

En la composición, que despliega un imaginario distópico entre la ciencia ficción y el género policial, lxs artistas dialogan entre sí, desde una interpretación singular de sus lenguajes.

Una configuración triangular en equilibrio dinámico.

Cada vértice dialoga con los otros dos, sin jerarquías, nutriendo una conversación alrededor de una pregunta en común.

Acciones que develan un discurso sinestésico encarnado.

Corporización de sensaciones en diálogo con el espacio, el sonido y la luz. Viñetas que se suceden atravesando climas y situaciones.

Construcción musical mediante sonidos rugosos, inarmónicos, texturas de masa. Ritmos, alusiones a la música electrónica y melodías con acompañamiento. Se alternan ambientes tensos, con reposos y alivios. La música contemporánea y popular se fusionan para recrear un clima citadino.

Videos que componen formas geométricas configurando un espacio inmersivo.

La pared es el lienzo, la luz una escenografía inmaterial de figuras que enmarcan un relato performático.

En un tiempo que cuestiona su duración, hacemos foco en el cuerpo sensible de la ciudad, fragmentado y distorsionado, proponiendo un abordaje sinestésico que apuesta por la interferencia sobre los automatismos.

Biografía:

Vorágine es un proyecto colectivo interdisciplinario que nace en marzo de 2019 y realiza 3 presentaciones en julio, y noviembre del mismo año. En 2020 obtuvo el subsidio de Performance en Entornos Virtuales del INT.

Está conformado por: Rosario Murua (videos en tiempo real), Ignacio Cohen (música) y Marisol Cerrini Madrid (movimiento). Una configuración triangular en equilibrio dinámico, sin jerarquías, nutriendo una conversación alrededor de una pregunta en común.

Rosario Murua es Arquitecta y Especialista en Lógica y Técnica de la Forma. Estudio en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires.

Su obra plantea un lenguaje en el cruce entre la arquitectura y el arte digital.

Desarrolla procesos creativos en diversos campos: el dibujo, los videos, las estructuras plegables y los espacios virtuales.

Trabaja colaborativamente con artistas de distintas disciplinas: música, danza, programación y diseño.

Marisol Cerrini es filósofa, musica y bailarina. Trabaja profundizando la relación entre la música y el movimiento. Con herramientas de la expresión corporal y la danza contemporánea, busca desarrollar un lenguaje mixturado, tomando el movimiento del cuerpo como herramienta de expresión, y tratando de transmitir, junto con el sonido, una clara imagen con múltiples significados.

Ignacio Cohen es músico, compositor, y actor. Estudio en la Universidad de Quilmes, la carrera de Composición con medios electroacústicos. Estudió saxo, guitarra y percusión. Desde pequeño, comenzó su formación dentro de la musica popular, incursionando mucho en el universo del jazz, a través de la guitarra y el saxo. Luego realiza sus carrera de grado en la Universidad, adentrandose en el mundo de la música contemporánea y la composición a través de entornos digitales. Estudio actuacion con distintos docentes, de manera particular. Su busqueda actual esta centrada en la interalación de la imagen con el sonido y todas las posibilidades de conexión entre estas dos areas del arte.

Eduardo Villalba Molina
Poema Q

Sinopsis:

Poema Q es un vídeo, un poema, un diario y una reflexión personal.

Poema Q es una telaraña que une textos y conceptos.

Poema Q es una carta de amor.

A través del vídeo trato de crear un reflexión entorno a la narrativa como método de expresión y esta al mismo necesaria como registro de diversas voces. Hablo desde una experiencia personal entrelazando también el significado de fanfiction y cómo esta se puede emplear como creadora de textos que no funcionan en un mainstream y quedan relegados a una literatura underground. También uso “Poema Q” como una especie de exégesis personal, explicando lo que significa escribir para mí. Tomo como referencia a la hora de trabajar en los vídeos proyectos cinematográficos como “Softfiction” de Chick Strand, “Riddles of the Sphinxs” de Laura Mulvey, “My mexican Bretzel” de Nuria Giménez y el cine de Jonas Mekas en los que testimonios y diarios se ven envueltos con la poeticidad de la imagen.

Biografía:

Eduardo Villalba Molina nació en Alicante en 1998. Estudió Publicidad y Relaciones públicas durante dos años y en ese periodo de tiempo encontró su vocación y tomó la decisión de cambiar de carrera a Bellas Artes. Ahora está estudiando en la Facultad de Bellas Artes de Altea de la Universidad Miguel Hernández, donde trata de unir técnicas de ilustración, escritura, escultura y creación de vídeos para encontrar una narrativa personal y una definición de la palabra identidad. Ha formado parte del Recital de Poesía Estudiantil de la UMH. Su campo de interés en los estudios envuelve la simbología del tarot, el estudio de la teoría queer y la aplicación de esta a diversos métodos de creación de ficción. Realizó un curso sobre cine personal en la Escuela de Cine de Bilbao el cuál abrió su interés hacia la experimentación en el metraje y este como herramienta de creación de un diario y método de registro. Actualmente realiza una serie de trabajos personales con los que trata de crear una novela experimental multidisciplinar, la cuál recoge textos teatrales, fanfiction, elementos multimedia e intervenciones espaciales.

Diana Coca
Corporeïtats al límit

Sinopsis:

Performance donde pongo en cuestión el poder, las relaciones humanas, la jerarquización y también la utilización de la espacio público. Partiendo de mi cuerpo – convertido en sujeto político y resistente –, estudio su relación con el medio, fuera de espacios artísticos y menudo en medio de una estética del caos. Una reflexión que me lleva a observar el espacio urbano en términos de liberación y de intercambio para poder transformarlo y democratizarlo de manera radical. Desde la animalización de los movimientos corporales ejecuto una coreografía donde el cuerpo se moviliza generando situaciones imprevistas y provocativas en relación con la ciudadanía, que de manera involuntaria se puede convertir (si así lo desea) en parte del trabajo creativo. Esto me lleva a cuestionar la manera en que transitamos las calles y nos movemos en el espacio, en teoría común y libre (precovid), pero con muchas más restricciones si lo observamos con sutileza. Un espacio donde las barreras arquitectónicas son percibidas como heridas del sistema neoliberal que se proyectan sobre la ciudad y sobre la comunidad. El objetivo es hacer visible aquello que el poder quiere invisibilizar, planteando una manera de rechazar imposiciones de los poderes que no están interiorizados como cabría esperar antes de que el cuerpo apareciera, irrumpiera y tomara subversivamente el espacio común. Trabajo desde la improvisación, porque produce movimientos imprevisibles, que más que códigos determinados de acción son productos de la imaginación preconsciente, de una pulsión de movimiento. Así intervengo el tiempo, las coordenadas espaciales, los estímulos sensoriales, de manera que la intención es tener repercusiones en los estados anímicos de los demás, en las evocaciones simbólicas, subjetivas e imaginarias de los ciudadanos que circulan por el espacio a la vez que estoy performando. De manera intuitiva le interesa el movimiento animal, felino, reptil, horizontal, ansiolítico, defensivo, en estado de alerta, perceptivo, dentro de una poética subjetiva de lo que ha dejado de funcionar y lucha por su supervivencia. Para el audio del vídeo se ha utilizado el mismo concepto de improvisación que para la performance, usando tres pistas o capas de sonido diferentes: 1) música de xeremíes, tradicional del folklore mallorquín; 2) música electrónica de Berlín, casi tradicional, original del compositor Frank Merfort; 3) sonido original del vídeo, de las situaciones generadas en el directo. Se han manipulado experimentalmente cada una de las capas, en relación a los movimientos corporales y situaciones generadas en la performance.

Biografía:

Diana Coca (Palma, Illes Balears, 1977), artista e investigadora, es licenciada en Filosofía (UIB, Palma) y Bachelor of Arts with Honours, especialidad en fotografía (Brighton University), Máster en Investigación de Danza y Performance (CENART, México). Completa su formación en el International Center of Photography y Movement Research de Nueva York. Realiza numerosas residencias de producción e investigación en la Academia de España en Roma, Three Shadows Photography Art Centre en Pekín, CaSa en San Agustín Etla (Oaxaca), TJINCHINA Project Space (Tijuana), Galería ADDAYA en Mallorca, MACBA, Fabra i Coats en Barcelona y La Casa Encendida de Madrid en colaboración con el Aula de Danza Estrella Casero de la Universidad de Alcalá de Henares. Ha mostrado su trabajo de foto y vídeo performance en España, Inglaterra, Alemania, Italia, Suecia, México, China, Corea, Jordania, Brasil, Marruecos, EEUU, Chile, Argentina, Perú, Costa Rica, Guatemala y San Salvador. Su trabajo forma parte de colecciones públicas y privadas nacionales e internacionales. Ha producido contenidos audiovisuales para Basel Vernissage Art TV como corresponsal en China. Fotografías para portadas e ilustración de libros, CD’s y contenidos para editoriales de Inglaterra, Francia, Bélgica, EEUU, Canadá, México, China, Brasil, Turquía, Brasil y España. Ha impartido talleres en Tabacalera (Madrid) y conferencias en la Universidad Autónoma de Baja California, Universidad Rey Juan Carlos de Madrid y Universitat de Barcelona. En la actualidad es personal docente e investigador en formación y doctoranda en el departamento de humanidades de la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona.

Sesión III

J.D. Alcázar
Marta por dentro

Silvia Maestre Limiñana
Baños públicos, cotidianidad y género

Sinopsis:

El propósito de este vídeo es mostrar cómo los elementos básicos de nuestra cotidianedad, en este caso, los baños públicos, contribuyen al reforzamiento del binarismo de género. El objetivo es que le espectadore reflexione sobre el poder de estos objetos y de los constructos desarrollados a partir de ellos para mantener las relaciones de poder.

Las imágenes se combinan con textos correspondientes a distintas noticias reales en las que los baños públicos se han utilizado como instrumento para mantener el género como estructura de poder, así como artículos académicos que hablan de como este poder se manifiesta en los reducidos espacios de los cubículos de aseos públicos.

Aunque sean objetos cotidianos sin, a priori, carga política (todes tenemos, al menos, un wáter, en nuestras casas, y muy probablemente hemos usado un cubículo de un baño público) la realidad es que son instrumentos que pueden y son utilizados diariamente para ejercer violencia contra aquellas identidades no normativas.

Para incidir en este carga política, el vídeo muestra la división de los aseos para blancos y para negros que existían en los años 50 en EE.UU. , los estereotipos de género que siguen perpetuando, la violencia que sufren las mujeres trans por usarlos, y la visión andrógina y asexuada que ofrecen de las personas discapacitadas.

Biografía:

Activista anticapacitista y vídeo-documentalista. Mi activismo parte de mi identidad como queer crip puesto que hablo de la intersección de mi discapacidad con mi disidencia de género (trans nobinarie) y sexo (asexual). Desarrollo este activismo anticapacitista y queer, sobre todo, a través de textos, fotografías y vídeos en mi blog (https://unequeercripmas.blogspot.com/) y mis redes sociales (https://www.instagram.com/liminyana22/).

En mis trabajos denuncio el capacitismo con el que se afronta la despatologización de las personas trans (como persona trans con una enfermedad crónica) en el que prima el discurso de «no merezco ser tratade así porque no soy enferme» en vez de «nadie merece ser tratade así». Asimismo, el propósito de mis proyectos es hacer los movimientos sociales más interseccionales, abiertos hacia aquellas nociones consideradas “marginales” y vistas como meramente accesorias (por ejemplo, la accesibilidad suele ser un constructo pensado a posteriori, casi nunca tenido en cuenta en el proyecto en sí).

También exploro mi identidad como persona no binarie que es leíde, a menudo, como mujer, y como ello repercute en mi relación con mi cuerpo con el objetivo de compartir experiencias y que más gente pueda sentirse identificada . Además, las personas discapacitadas, sobre todo aquellas cuya discapacidad es visible, suelen ser leídas sin género ni sexualidad, por ello, me interesa explorar como dentro de la comunidad disca se le ha dado la vuelta a esto mediante la creación de sus propios géneros, por ej. “autigender”, cuando el género de una persona solo puede explicarse en el contexto de ser autista.

El anticapacitismo me ha llevado a escribir mucho sobre este tema desde la primera persona y como considero que es un tema todavía muy desconocido, incluso dentro de espacios de activismo, he escrito dos fanzines relativos a esta opresión: Anticapacitismo. «Justicia para les discapacitades, que se centra en los conceptos básicos del anticapacitismo, y está pensado para ser un fanzine de introducción al mismo (imágenes en la página siguiente). Y “No he vist a cap discapacitada en el vostre colectiu” i altres capacitismes dins de l’activisme, en el que señalo las principales opresiones que sufrimos las discapacitades en el activismo tanto online como presencial, teniendo como base mi propia experiencia como disca en estos espacios.

Elisa Martínez
Futurible Botánica

Amanda Moreno
Gorgonian Aura

Sinopsis:

Existe una historia no lineal, que tiembla, se curva y pliega. Una historia que palpita en los movimientos internos de la tierra y se inscribe en piedra a través de los cuerpos ancestrales que presentan la secreta transformación de su materia. Hablamos de los fósiles, restos mineralizados de seres vivos o huellas de su acción.

Pero también existe otra historia, una historia escrita por “el hombre” que se ha forjado, ignorando una historia pre-humana, a partir de una relación de hegemonía y dominio sobre la naturaleza. Esta historia que podríamos denominar de los metales ha estado marcada por el desarrollo de la industria, el extractivismo, la crisis climática y un capitalismo feroz.

En el film “Gorgonian Aura” se hacen presentes ambas historias, imbricadas a través de un recorrido por el ideal de la transmutación, deteniéndose en cuestiones como la petrificación humana, la escultura o la alquimia.

Biografía:

Su obra forma parte de colecciones como la de la Universidad Miguel Hernández, DKV, Banco Sabadell o la Generalitat Valenciana.

Dennise Vaccarello
Time fossils: Iceland

Sinopsis:

Fósiles de tiempo es un ensayo ficticio configurado a partir de distintos clips grabados en Akureyri (Islandia, 2019). El registro audiovisual como forma de recuerdo funciona de manera similar a los fósiles, conservan segmentos de formas de vida pasadas. Dichos fósiles-audiovisuales sirven para imaginar un supuesto viaje en el tiempo, realizado a partir de la energía obtenida de una sustancia artificial. El viajero es vulnerable, pierde su memoria y se convierte en un amnésico, quizás por un fallo en el archivo de memoria. El dilema ahora es si marcharse de este planeta o reconfigurar el sistema. La isla reclama un sacrificio. Recalibrar los dispositivos puede ser doloroso. Cambiar el flujo para esculpir la piedra.

Biografía:

Artista e investigadora predoctoral en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, enfocada en la investigación artística, las islas y la ficción como herramienta para re-crear el mundo. En la misma facultad cursó el Máster en Arte Contemporáneo, Creación e Investigación (2015) tras graduarse en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona (2013).

  Como investigadora ha formado parte del dx5_digital & graphic art_research group (2018-2020) gracias a un contrato de investigación de la Universidad de Vigo. Lo que le permitió realizar una estancia de investigación en el i2ADS (Universidad de Porto, 2018).   Su labor investigadora se complementa con la publicación de distintos artículos como “El canto de un grillo. Construcción del mito insular en la obra de Alexis Gautier” publicado en CROMA 8 (Universidad de Lisboa, 2020) o “Metaficción y détournement en el aislamiento” presentado en el congreso ADD+Art, (Universidad de Barcelona, 2021).

  Como artista enfoca su producción en el paisaje y en el contexto, entendidos como atmósferas susceptibles de ser decodificadas, personificadas o reimaginadas. Ha participado en varias residencias artísticas entre las que destacan: la Gil Artist Residency (Islandia, 2019), las VI Residencias Bienal de Cerveira (Portugal, 2016) o EXPLORADORES15 (Isla de San Simón, 2015). Además, su obra ha sido expuesta en diversas muestras, pasando a formar parte de los distintos catálogos y colecciones, tanto a nivel nacional como internacional. Entre las exposiciones individuales sobresalen Untitled Lullaby (Deiglan Gallery, 2019), 1:Sci-fi. (Auditorio de Caldas de Reis, 2017) y Between Pink & Green (Casa de la Cultura de Vilalba, 2017). También ha participado en distintas exposiciones colectivas como Comunicació-incomunicació (Valencia: MuVIM, 2020), Novos valores (Museo de Pontevedra, 2020), Xuventude Crea (Santiago: Iglesia de la Universidad, 2019), XI Premio Auditorio de Galicia (Santiago de Compostela, 2019), Moving Street: Rúa Belomonte (Pure Print Porto, 2018), X Premio Auditorio de Galicia (Santiago de Compostela, 2017), Magical Girls (Casa das Artes: Vigo, 2016), Proyectos inacabados (Porto: Facultad de BB.AA., 2016), _______(Pontevedra: Sala X, 2016) o Eso sigue su curso (Pontevedra: Fundación RAC, 2015). 

https://dennisevaccarello.com/

Sesión IV

Celia Vara
Fina Miralles: Embodied Stories

Sinopsis:

Mi investigación sobre el conocimiento a través de la agencia corporal se nutre de diferentes experiencias, artistas y proyectos. Me interesan los movimientos corporales y experiencias sensoriales como formas de crear conocimiento, como maneras de explorar espacios desconocidos o por hacer, o lugares que pueden resultar accesibles a través de una exploración de los sentidos. Es por ello que el trabajo de Fina Miralles en el contexto del franquismo me ha resultado inspirador así como el acercamiento a su trabajo desde una posición situada (Haraway, 1998) y abierta a implicar mi cuerpo y verme afectada en la medida que investigaba su trabajo. En este video piloto muestro parte de mi trabajo de campo durante la investigación y conversaciones con Fina Miralles, y extractos de archivo de su trabajo en los años 70 con sus pisadas más actuales. En sus acciones corporales muchas veces obvias, simples y/o cotidianas he visto la posibilidad no solo de una forma de conocimiento corporal, sino también una ocasión/riqueza/oportunidad liberadora feminista que emerge en el contexto del orden represivo de género de la dictadura y que puede proporcionar enseñanzas para aprendizajes en el contexto actual. Mi forma de investigar es interdisciplinar y experimental en sus tipos de metodología: utilizo mis propias performances, recreo movimientos y acciones con mi propio cuerpo, realizo un trabajo de archivo social, personal y emocional, paso tiempo y acompaño en el proceso a la artista, y hago uso de mis habilidades como psicóloga, poniendo en juego la empatía kinestésica para la comprensión integral de lo que sucede en la relación de investigación. En este video piloto muestro un trabajo en proceso con algunos de los archivos del trabajo de campo con los que construiré un documental sobre mi experiencia en la investigación feminista encarnada y situada.

Biografía:

Celia Vara es doctora en Comunicación (2018) por la Universidad de Concordia (Québec, Canadá). Es licenciada en Filosofía y Ciencias de la Educación (Psicología) y ha trabajado como psicóloga desde 1998 en un centro pionero de investigación y tratamiento de violencia de género. Ha participado en numerosas investigaciones y proyectos sobre feminismo y arte en Europa, Canadá y el Caribe. Su tesis de master («Videoarte feminista en los años 70 en España») obtuvo en 2013 el 1er Premio en Género e Investigación de la Universidad Jaume I de Castellón. Es artista visual y curadora, y ha tenido numerosas residencias y exposiciones individuales y colectivas en República Dominicana, Canadá, Cuba y España. Su trabajo ha aparecido en Journal feralfeminisms, Institute for Women and Art Directory-Rutgers University, Feminizine, McGraw Hill Editorial, Arte y Políticas de Identidad y Performance Research. Sus intereses de investigación incluyen performance, arte contemporáneo, medios experimentales y de movimiento social desde una perspectiva feminista. Su tesis doctoral se basa en la experiencia kinestésica para explorar la acción o performance como una posibilidad de autoexploración y liberación feminista. Su trabajo contribuye a la comprensión del arte corporal fuera del contexto norteamericano e implementa una metodología creativa y feminista encarnada (Fina Miralles’ Relacions: Kinesthetic Knowledge and Corporeal Agency, 2019).

Silvia Maestre Limiñana
¿QUIÉN SEGUIRÁ AQUÍ?

Sinopsis:

Corto documental que cuenta lo que ha supuesto la pandemia del covid para les discapacitades a través del testimonio de dos artistas discas. El vídeo se centra en tres aspectos, la accesibilidad, la performance de la discapacidad, y el hecho de quienes tienen derecho a volver a la normalidad, y quienes no.

Es un proyecto multidisciplinar ya que junto con las entrevistas que se muestran en el vídeo también se visión la exposición de algunas de las frases dichas por las protagonistas de la cinta. El objetivo es exponer estas conversaciones en espacios abiertos al público para que así puedan interactuar con ellas, confrontando su propio privilegio y sus ideas preconcebidas sobre la discapacidad. Además, las fotos de las diferentes exposiciones se irán publicando en el siguiente instagram, @QuienSeguiráAquí. Tal y como se muestra en el vídeo, el proyecto se mantendrá “hasta que las únicas expulsadas de la normalidad volvamos a ser les discapacitades”.

En definitiva, el objetivo es poner en el espacio público las vivencias de aquellas personas que siempre han estado expulsadas del mismo, y cuyas experiencias siempre se han visto como accesorias a las del ciudadano medio, capacitado y neurotípico. En este proyecto se establece que la “normalidad” sí es un constructo muy real para quienes somos expulsades de ella diariamente, y como la pandemia ha traído como consecuencia que quienes nunca han experimentado esta marginalidad sepan lo dura que puede llegar a ser. La pregunta es si esta experiencia logrará ampliar la visión que la sociedad tiene sobre la accesibilidad y la discapacidad, o quedará como simple anécdota.

Biografía:

Anna Maria Staiano
Transexpace

Sinopsis:

Transexpace es una obra experimental multimedia, que incluye piezas corporales, live performance, una fotonovela y un cortometraje, donde se rompen los esquemas de género y los géneros artísticos (literatura, fotografía, cine) se entremezclan en un híbrido camp utilizando la ciencia ficción para subvertir el mundo estereotipado de las fotonovelas románticas.

Un proyecto expansivo que desde lo queer se reapropia del espacio y ocupa arquitecturas simbólicas del poder presentando un universo poblado por guerreras amazónicas, cónsules andróginxs y criaturas híbridas entre humanos y otros animales.

La acción se desarrolla en el entorno futurista de la “Ciudad de las Artes y las Ciencias” de Valencia, donde incluso la arquitectura monumental parece imitar formas orgánicas. El drag y la poderosa y exagerada feminidad que exhibe el elenco es un ejemplo de lo que la controvertida teórica Camille Paglia denomina “feminismo drag queen”, y Ulrika Dahl describe como una feminidad radical queer, no relacionada con la sumisión a una mirada masculina.

Biografía:

Artista transdisciplinaria pro-sex italiana afincada en España, Doctoranda en Arte: Producción e Investigación (Universidad Politécnica de Valencia), con un Máster en Estudios Culturales y Artes Visuales con Perspectivas Feministas y Cuir/Queer (Universidad Miguel Hernández de Elche, 2021), un Master en Cinematografía (Middlesex University, Londres, 1996) y un Diploma de Técnico Superior en Arte y Diseño (EASD, Valencia, 2013).
Codirige, desde el 2009, La Erreria (House of Bent) un colectivo y espacio dedicado al arte queer y al campo expandido de la performance que ha recibido el Premio Museari 2020.

Su obra plástica se plasma en el diseño de piezas performáticas y extensiones corporales, basadas en las cuestiones del género, la transformación y la interacción cuerpo-objeto; para conseguir cambios inesperados en nuestra experiencia sensorial y en el imaginario simbólico. A menudo las piezas son el punto de partida de acciones participativas, performances y video-arte.

Realiza varias exposiciones individuales como “Solitaire” (2017), “Planeta Mujer” y “CorpoREacción” (2014) y colectivas como “Cultura Online” y “De Reüll: 1990-2020” (ambas en el CCCC, Valencia, 2020).
Su obra a menudo es expuesta desde el dinamismo en performances y acciones participativas que viene realizando desde 2006 como colaboraciones tan representativas como “Lost in Transition” (exposición de Cabello/Carceller, IVAM. Valencia 2016), “Transformismos” (proyecto de Paula Valero, Teatro El Musical, Valencia, 2015) y “Las Bodas Ecosexuales de Annie Sprinkle y Beth Stephens” (Biennal de Venecia en 2010 & CCCB de Barcelona en 2012), o su propias performances participativas como “Solitaire/Il Peso de la Tradizione” (2017), “Pussy Parade” (2016), “90-60-90? Life-Size” (2015 & 2017), “Transexpace” (IVAM, Valencia, en el marco del Melting Point 2016) y “Memento Mori: Remembrance and Remains” (Cabanyal Intim, Valencia, 2016).
Desde el 1995, ha producido varios cortos y mediometrajes como “Choose Your God/ess”, “The Fragile Skin”, piezas de video-arte como “Confinement Rap”, “Solitaire”, “Rompiendo el Techo de Cristal” y documentales como “The Other Other” que han participado en numerosos festivales internacionales de cine LGTBQI como Frameline (San Francisco), Mix (Nueva York), the LLGFF (Londres), y en eventos artísticos feministas como la exposición Women in Work (UPV, Valencia, 2017), el Festival Dona i Cinema (2017) y la FEM Tour Truck/Bienal de Mujeres (2016).

Su práctica transdisciplinaria es documentada en el proyecto editorial “Impure” (2016) producido en colaboración con más de 75 artistas, performers, fotógrafxs, escritorxs, curadorxs y activistas feministas y queer.

annamariastaiano.com

Quimera Rosa
Sexus 3 aka La Violinista

Sinopsis:

Haciendo un guiño a La Pianista de Elfriede Jelinek, esta performance revisita el universo de Blade Runner, versión post-porno. Aquí las replicantes se han alejado definitivamente de la humanidad… Mezclando escenas de surrealismo cyberpunk con prácticas sexuales no convencionales, las performers transforman sus cuerpos en instrumentos sexo-sonoros mediante prótesis electrónicas conectadas a la carne con técnicas BDSM. Todo el sonido de esta pieza está generado en directo por el contacto entre los cuerpos. Quimera Rosa condensa aquí sus seis años de experimentos electro-químicos en una mezcla de body noise en directo, sexo gender hacking, cuerpos mutantes, código y prótesis ¿Os someteréis a su test de empatía?

Biografía:

Helena Vinent
La prótesis que dirigió al órgano contra sí mismo

Sinopsis:

Esta vídeo-instalación forma parte del proyecto «La prótesis que dirigió al órgano contra sí mismo», que sitúa el foco de interés en la construcción indentitaria del cuerpo asignado como discapacitado. El proyecto, atravesado por la teoría crip-queer, se aborda desde el posicionamiento político de la artista como persona sorda y su dependencia de instrumentos no biológicos para la comunicación oral, como las prótesis auditivas y los subtítulos. A través de esta propuesta Vinent establece una lectura personal y política de las prótesis, que funcionan como instrumentos que adaptan el cuerpo a una normativa estándar regida por la lógica neoliberal y capacitista, que dicta qué cuerpos son válidos, eficaces y funcionales para el capitalismo frente a los cuales no lo son. Con estas piezas se cuestiona este rol adaptador de las prótesis y crea una serie de piezas que especulan con la invención otros órganos artificiales y extensiones que dinamitan las relaciones de interdependencia habituales entre las prótesis y el cuerpo.

Este proyecto se ha producido gracias al Premio Generación 2021 de la Fundación Montemadrid.

Biografía: